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Más allá de la simple valorización estética y utilitaria de los objetos cotidianos, el artista otorga a los objetos un valor político y transmite un mensaje cívico de compromiso ecorresponsable: no sobreconsumir, no producir nada nuevo, sino adaptar su práctica a los recursos que el planeta aún puede ofrecernos. Estas reflexiones pertenecen a la concepción de la economía circular, Cradle to Cradle, traducida al francés como «du berceau au berceau» (de la cuna a la cuna). Cuando Daniel Nicolaevsky Maria pinta un retrato altamente simbólico sobre los listones de una cuna encontrada en la calle, la metáfora cobra toda su resonancia.
La obra, compuesta por siete somieres pintados suspendidos de cuerdas trenzadas, enfrenta al espectador a los efectos del Plantacionoceno y sus prácticas neocoloniales sobre el estado actual del mundo. Sobre los listones de los somieres están pintados animales y pueblos que representan la selva tropical y las colonias o antiguas colonias europeas que hoy sufren estragos ecológicos y humanos. En esta instalación inmersiva, el público es invitado a pasar detrás de los somieres y sentir, a través del sonido de la selva amazónica, la fuerte oposición entre la mayor reserva de biodiversidad de nuestro planeta y las amenazas que pesan sobre ella: el calentamiento global, la minería de oro y la deforestación. Con esta pieza, la expresión «de la cuna a la cuna» cobra toda su resonancia.
Isabelle de Maisonrouge, 2024
Traducido del original francés.
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de una identidad a otra
De una identidad a otra,
de una lengua a otra
de un continente a otro,
de un país a otro,
Daniel Nicolaevsky Maria no deja de cruzar fronteras,
de cruzar límites, los que encierran, los que impiden y compartimentan.
De su trayectoria personal al recorrido de sus producciones, juega con estas fronteras y se burla de ellas,
de estas trabas, y se permite con alegría el paso de un territorio a otro, de una producción a otra, de una escala a otra y de una modalidad a otra.
En la búsqueda permanente y sutil de un punto de equilibrio entre todas las realidades que lo constituyen, entre todas las formas y modalidades que pone en obra y en trabajo, Daniel crea dispositivos plurales que le permiten atravesar espacios tangibles tanto como mentales.
Y así pasa de la foto al objeto, de la escritura a la danza y a la performance: de lo inmaterial a lo material, de la densidad a la ligereza y de la masa a la evanescencia.
Su búsqueda lo lleva a la cercanía con los niños de las favelas, a quienes mira con empatía, a retratos que fragmenta para marcar mejor la unidad de los sujetos que fotografía, pero también lo lleva hacia la dimensión del juego que, serio como el placer, nunca evita.
En el entrelazamiento de los cuerpos y los gestos aparecen posturas que se marcan y, al hacerlo, marcan el espacio y lo modifican. Lentamente se despliegan escenografías y juegos de luz que hacen aún más palpable el trabajo de Daniel sobre el espacio, el ritmo y el cuerpo.
Lentamente radicaliza su enfoque y sus experimentaciones y se atreve a afirmar esta contradicción entre el cuerpo, denso, compacto, masivo, y la gracia, la destreza y la soltura de los movimientos y del desplazamiento en el espacio.
Pero no renuncia a la sensualidad del color y de los materiales naturales, que dialogan con la imagen de vídeo, el cine y los reproductores multimedia. También aquí la alianza de elementos aparentemente contradictorios encuentra un punto de equilibrio.
En busca de sí mismo a través del otro, en busca de su propio cuerpo a través del cuerpo del otro, allí, en esta búsqueda y este trabajo, el cuerpo se convierte en lo que está en juego en toda investigación tanto como en el lugar de todos los posibles. Así, el artista, en una búsqueda implacable y decidida, une lo sensual al intelecto, el placer al espíritu: lo carnal y lo espiritual.
En un punto de equilibrio.
Gaya Goldcymer, Paris. 2019
Traducido del original francés.
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Con Daniel Nicolaevsky Maria, incluso un simple golpe de escoba puede convertirse en un abrir y cerrar de ojos en el inicio de un verdadero ballet contemporáneo.
Es lo que el artista demostró en su diploma con una performance-espectáculo concebida y ejecutada por él mismo en clave marcial. Descalzo, con el torso desnudo y directamente sobre el suelo de la Capilla de la Beaux-Arts, su performance, titulada «De la guerre à l’art» (De la guerra al arte), parece desafiar con soberbia siglos de arte clásico y, en particular, una reproducción de la estatua ecuestre de Colleoni de Verrocchio.
Dominando el espacio como un guerrero, lleva sin embargo un mensaje de paz que materializa con su camisa, convertida en bandera blanca. Tan sensual como radical, con flexibilidad y vigor, su trabajo alude a la esclavitud y a la causa de las minorías en todo el mundo.
Nacido en Río de Janeiro, al son del carnaval y de los cantos evangélicos, estudió artes visuales y animación 3D en São Paulo tanto como practicó a diario la samba, el zouk y el tango. Eso fue antes de dedicarse por completo a la danza contemporánea con Emmanuelle Huynh en la Beaux-Arts de Paris. En su panteón personal cita a los coreógrafos Philippe Découflé y Ralph Lemon, pero también al performer Tino Sehgal y al videoartista Steve McQueen.
Este joven artista, que abraza el arte con todas sus fuerzas y no duda en incorporar vídeo y también canto a su trabajo, recibió el Prix des Amis des Beaux-Arts en 2019 y presentó con ese motivo una performance en la Galerie du Jour/agnès b. Con unas cuerdas suspendidas en la galería como único accesorio, y en referencia a los «cuatro acuerdos toltecas», abordaba la cuestión del apego y de los vínculos sociales en general.
Con arnés, suspendido sobre el suelo, se mostraba como una fuerza de la naturaleza, pero lleno de sabiduría y talento.
Anaïd Demir. Paris, 2020
Traducido del original francés.